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文丨孙虎的书房
编辑丨孙虎的书房
“在现实主义审美原则中，虚构和假定性不仅是允许的，而且是必不可少的。不违背生活真实的虚构，恰恰与浪漫主义在虚构中的任意性形成了鲜明的对照。”
一、反常规认识方式
反常规认知方式是虚构和假定的，但改编对此的处理恰还切合了现实主义不违背生活真实的要求，使得的思维不再如原作般虚无。
老丹尼告诉他“妈妈”是一种马的名称，这阻止了继续追寻“我从哪儿来”的答案，也推动他早早独立面对人生。
“孤儿院是专门关没小孩的人的大监狱”，在自己与别人的决斗中赌别人赢等认识也来自于老丹尼，的不谙世事是他视这位“父亲”为榜样的结果。
老丹尼死得很荒唐，只是因为船上医生的名字信屈警牙导致工人们呼救不及时，老丹尼躺在病床上听读报纸时又捧腹大笑，所以才一命呜呼。
然而他是带着众人的祝福，被写着“谢谢丹尼”、画着红玫瑰的帆布包裹着沉到大海里的，并不可怕，也不凄凉。
这也‘为把死亡看成生的形式的过渡找到了依据。
原作中身上最似任意性虚构的部分是他浪漫到无以复加的音乐才华，电影镜头贝通过捕捉初次听到音乐时的眼睛一亮。
以及他透过玻璃窗、目光穿过跳舞的人群聚焦到钢琴上时的微笑，来诉说他与音乐与钢琴的不解之缘。
一直睡在摇篮里，他的童真在延续，为他创作音乐的纯净心灵提供了栖居地。
可以说，这些补充都极大地充实了影片的现实主义内涵。
相对于巴里科的舞台剧原作，托纳托雷的电影《海上钢琴师》最大的不同不是现实主义元素的加入，而是从精神分析的层面丰富的人生。
现代主义时代的病状是孤独、苦恼，而初期的最难忍受的是孤独。
于是他会在夜晚寂寞光顾的时候，偷偷溜进通讯室，冒充接线员以获得和陌生人交流的机会。
1900的才华引起了唱片商的注意，他们上船给录制唱片。
在录制过程中，对窗外一个努力揉着眼睛的清纯女孩一见倾心，以此为灵感演奏了一曲《爱的弹奏》，唱片商陶醉不已，但不希望自身与自己的音乐分离，把唱片母盘抢了过来。
他试图接近女孩却没有勇气跟她讲话，在镜子面前演练怎样将唱片赠予她，这些都是自卑感作祟。
这种自卑感是“自我和超自我之间紧张关系的表现”。
在生理上是一个健康的人，他的冲动出自“本我”，“遵循快乐原则，力求实现对本能需要的满足”。
但是他在潜意识中认为自己并不具备与女孩的出尘脱俗相匹配的魅力，因此总是对她望而却步。
“本我没有善恶，无所谓道德性……它密切地和快乐原则相联系”，这时的即使弹奏着《怯生生主题》也无法释放“本我”，于是跑到三等舱偷偷吻了女孩，以解决“寻求释放的本能的精神专注”。
然而他后来没有送给女孩唱片，也没有为她下船。
在他的审美活动中是不涉及利害关系、排除占有欲的。
他‘钟情于女孩，却“不可能同时处在审美的水平与肉体占有水平上”最终他战胜了“本我”，也没有再抗拒孤独，而是在孤独中完成了音乐艺术的升华。
电影《海上钢琴师》对音乐人生的传奇性的忠实，并不妨碍它对被原作描述得较为虚幻的音乐进行大规模的改造。
“从理论上讲，现代电影艺术是一种以附着声音一起出现的系列活动画面所构成的声像语言系统”，但电影的视觉性往往更受重视，因此有人说“尽管语言中‘一个单词就是一组声音的组合，它就是能指’，这一概念是被确定的，但在对艺术作品的具体分析中，能指的声音往往在事实上被忽略了或扼杀了，画面的能指形式以及它所包含的双重意义得到了强化。”
于是，吴宇森在枪战场面中加入优美的音乐可以被形容为暴力美学。
迈克尔·贝为爆炸飞车场面配以紧张刺激的音效被冠以“写实”之名。
然而，《海上钢琴师》的特殊性使得托纳托雷必须摆脱原作空泛的语言描写，将“声像同步”列入表现核心的范畴，使片中音乐贴上的标签，而不能使之成为待定义的语言。
他将配乐的重任交给了他的老搭档—有“欧洲电影音乐领航者”之称并获得英国电影学院奖、奥斯卡美国电影艺术与科学学院奖和欧洲电影奖三大权威奖的终身成就奖荣誉的意大利国宝级配乐大师埃尼奥·莫里康内，而这位享誉全球的配乐大师也出色地完成了这一任务。
影片中首次予人以惊愕是他在失踪多日后在头等舱舞厅弹了一支无名曲，巴里科用“小精灵般的，但却优美”来形容这支曲子。
莫里康内有意模仿莫扎特早期作品的风格，作出了一首三拍子的乐曲，旋律简单质朴，曲子最初的音乐动机仿佛来自莫扎特钢琴奏鸣曲中的主题，但此动机很快有了新的发展，和声中的离调手法给人以清新婉约之感。
这支充满稚气又不失古典风味的钢琴小品被命名为《莫扎特再世》，既是对的音乐天赋的响应，又与莫里康内“电影音乐界的莫扎特”的称号暗合，颇为有趣。
原作中另外一支引人遐想的曲子是为给麦克思治疗晕船而弹的华尔兹舞曲，莫里康内用了托麦西谱写的《神奇华尔兹》表现这一幕。
《神奇华尔兹》并不像原作形容的那般“温和而甜美”，而是华丽、流畅、欢快，浪漫得慑人心魄，这也更符合和麦克思当时的情绪。
如果说《莫扎特再世》使人惊愕，那么与杰立·罗尔·莫顿的钢琴决斗就可以用令人叹为观止来形容了。
杰立·罗尔·莫顿的第一支曲子《大肥火腿》曲调暖昧得“就好像一条丝质内衣从女人的身体上滑下来一样。
那音乐让丝绸在跳舞”，轻桃得令乐队指挥的眉毛都在飞舞。
而用来回应的不是“蠢得掉渣”的《老爸快回来》，而是根本没有技术含量可言的《平安夜》。
只因为他童心未泯，而且真心喜欢这首圣洁却又显得泛滥的圣诞曲。
被激怒的杰立·罗尔·莫顿想用“能让德国机械师都落泪”的《渴望》来羞辱，竟然把这支曲子也弹了一遍。
不同的是杰立·罗尔·莫顿的《渴望》“音色浑厚而丰满，铿锵有力”。
而所弹的旋律“音色是不厚实的，有些发‘飘’的”明显出自一个无师自通者之手。
杰立·罗尔·莫顿完全丧失了耐用一首几乎把八十八个琴键都弹到的《扭断手指》炫技，而也终于动真格的了。
二、对原作意旨的坚守与凸显
电影《海上钢琴师》对原著的最大忠实是把表现的传奇性的几组片段连缀起来无限放大，构成影片叙事的主线，从而凸显他的缺失。
从一个被移民留在弗吉尼亚号并且被指望着能给富人收养的婴儿，最终被锅炉工丹尼在钢琴上捡到并为其取了如乐曲名般的名字开始，的音乐天赋就得到了惊人的暗示。
老丹尼被失控的滑轮击中而死去，这意味着第二次成为孤儿。
是徘徊在边缘地带的荒诞的“特殊存在者”，也是海德格尔所追问的“此在”的典型代表。
“以海德格尔之见，‘此在’的最基本的存在状态是‘在世’，他认为人生出来以后，一‘在世’就处于‘被抛状态’，所以，人总是要独立面对人生、困境和挑战”。
尤其还是一个尚待规定的存在者，就更加需要“就存在者存在着这回事寻求存在者的根据”。
为了躲避移民局警察而藏了起来，人们找不到他，以为他掉到海里死了。
而他在头等舱舞厅的钢琴上—那个他第一次获得生命延续的地方，以一曲《莫扎特再世》宣告自己“起死回生”，也正式开始了寻求他的“存在者的根据”—音乐艺术的航程。
对来说，音乐艺术是对存在的真理的揭示，“在艺术作品中，存在者的真理自行置入作品”。
忠于自己的音乐真理，大西洋爵士乐队的指挥弗里茨·赫尔曼每次都命令或请求他用普通音符，而他只会在乐曲前半段照曲谱弹，后半段便进行疯狂的个人表演。
因此当他遇到同样不按牌理出牌、用小号演奏来寻求“存在者的存在”的麦克思时，他用了一种完全超常规的方式去结交这个朋友。
把在暴风雨中东倒西歪迷了路的麦克思带到舞厅的钢琴边，让他松开钢琴支脚的脚钩。
两人坐在琴凳上，潇洒自如地弹着《神奇华尔兹》，而钢琴则像一块巨大的肥皂般滑动。
麦克思感觉到他们是在和大海一起跳舞。
直到“肥皂”撞坏巨型玻璃窗，他们才停止这疯狂的舞蹈。
之所以具有如此化腐朽为神奇的创造力，正是因为他对大海无所畏惧，视灾难为浪漫，做到了孔子所说的“游于艺”。
他的华尔兹乐曲赋予备具危险性的柱子、吊灯、巨型玻璃窗等以流动的美感，让麦克思由历险式的战栗过渡到童话般的幻妙，从而克服了晕船，只记得与大海亲密而完美的互动。
在三等舱的钢琴上抚弄，目光却投向大海中央，麦克思问他演奏时心思在哪儿，他说“今天，我去了一个美轮美灸的国度，女人们秀发芬芳，四处阳光洋溢，但却猛虎遍地。”
他在神游，他的思绪每一次都会到达不同的地方。
这使得音乐的美成为一种敞开，将他带入一种无遮蔽的境地，并把听者“带入这种敞开之境，并因此而同时把他们从平凡的领域中带出来”。
与杰立·罗尔·莫顿的钢琴决斗是显而易见的虚构情节历史上确有杰立·罗尔·莫顿。
此人自称爵士乐鼻祖，在业界的名声并不好，但那支像四手联弹般快速、以令人窒息的和弦结束的狂想曲，却将他的天才和传奇性推到了最高境界。
他对所谓鼻祖的讽刺，加之他对规定、爵士乐、议员的藐视，使得被视作神圣、经典、不可侵犯的理念。
都消解为平凡、平民的甚至可以用粗鄙的话去辱骂的东西，真正突出了原作浓厚的后现代主义色彩。
对决斗没有概念，如同他不知道胜利能让他得到什么，但他并非无知，他能通过弗吉尼亚号上形形色色的乘客了解世界。
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